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Features

ISSUE #0-3

Post date: Aug 06,2020  Category: Art

Mirror Creation
Rei Naito

Interview

内藤礼インタビュー


聞き手:住友 文彦(アーツ前橋館長/東京藝術大学大学院准教授)

 

A Conversation with Rei Naito


Interviewer: Fumihiko Sumitomo
(Director, Arts Maebashi; Associate Professor, Tokyo University of the Arts)

 

    顕われていないものを誘い出す

住友文彦 今回の展覧会は、はじめの部屋の使い方が本当にすばらしかった。内藤さんが繊細に作品を配置していくとき、建築空間はどのように意識されているのでしょうか? 金沢21世紀美術館でも、神奈川県立近代美術館でもいいのですけれど、SANAAや坂倉準三が、どのように空間のプロポーションをデザインしたかということを思い描くことはあるのですか?

内藤礼 プロポーションから入るというよりも、「目の前にあるものはよいもの」というところからスタートします。その空間と人との関わり方で、もしそこにもともとある良いものが隠れてしまっているとしたら、それがおもてに現われてほしいというふうに。

住友 建築家が作った空間って、人を緊張させるところがあるじゃないですか。 良い言い方をすると集中させるというか。だけど内藤さんの作品が置かれた途端に、集中と弛緩が交互に起こるような気がして。それが、内藤さんがさっき仰っていた、おもてに現れていないものを誘い出しているように思いましたね。

内藤 光や風…。

住友 作品によって風がとてもシンプルに視覚化される効果は絶大ですね。

   Drawing out the unobservable

Sumitomo I have to say, your use of the first room in this exhibition was really something else. Your artworks are always arranged with such subtlety – how do you approach the architectural space when you’re setting them up? Whether it’s the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, or the Museum of Modern Art, Kamakura, do you ever try to imagine how SANAA or Junzo Sakakura went about designing the proportions of those spaces?

Naito Rather than think about the proportions, I start with the basic premise that everything I see before me is good. And if some human element – by which I mean the relationship between humans and the space – is obscuring an inherent appeal of the space, I try to bring that to the fore.

Sumitomo Spaces designed by architects tend to make people feel a certain tension. To put it in more positive terms, they make people focus. But your art seems to have the effect of transforming such spaces, making viewers feel focused and relaxed in turn. And I think that’s what draws out the kind of things you were talking about – elements that are less conspicuous.

Naito Like light, wind…

Sumitomo Yes, the way your work lets people visually appreciate the wind is simple yet tremendously effective.

内藤礼 《精霊》 2020年 写真:畠山直哉

Rei Naito “the spirit”, 2020, ribbons, poles. Photo: Naoya Hatakeyama

内藤 あの中庭には、あんなにも豊かに風が流れていると、リボンは伝えてくれます。空間、光や風、もの。そしてそれを通して徐々に人のほうに中心が移り始めているようです。そこにいる人を見るということです。豊島美術館の《母型》ができたとき、私が一番感動したのは、人の姿を美しいと感じたことです。知らぬ間にそこにいる名前も知らない人への愛情が生まれていました。

 

   生の外側から見ている

住友 作者のそうした感覚を鑑賞者に感じさせるのは奇跡のような出来事ですが、豊島の作品は、内藤さんの作品を初めて見る人がそれを感じとることができる空間になっています。

内藤 豊島の作品は、空間のスケールも一つの体験です。遠くから人の姿が見えるでしょう。二人で並んで一枚の絵を見るのとは違います。今回の展覧会も、空間と作品のスケールの幅、そして一日を通して変化する光が、体験に大きく関わっています。自然光は固定されていないために、作品の印象は刻々と移っていきます。その前に、ひとりひとりの歴史もその日の心境も違います。そこで受けるものは瞬間ごとに変化するし、同じ空間にいても、立つ位置や目の高さでまったく違う。そういう影響をむしろ浴びるように受ける。通常は、影響を受けることは、避けるべきだと思うかもしれない。いつどこでも同じように見える安定したものが良いとされているかもしれない。けれども、私の作品はそうではないのです。あるがままに受けとるということは、安定していないということで、ものの見え方も感じ方も常に流動し、揺れています。そこでは、同じ体験をしている人は一人もいない。個人の体験は個でしかない。作品を共有していると同時に、そういうふうに人は孤独であって共有はできないし、することもない。ひとりの人の世界に誰も入ることはできないし、その人のその瞬間を壊したくはない。そういう感情が生まれてきて、それをまた共有しているような。豊島美術館もそうですが、金沢の作品にはそれを感じます。豊島の2年前に富山の発電所美術館で制作した、宙から時々水が落ちる作品にも、その感覚がありました。その頃から、ものの先に、「そこにいま生きている人」を感じるようになり、水戸では慈悲について思うようになりました。そういうふうに感じるとき、人は生の外側に出ていると思うのです。

住友 とても大事な点だと思いますが、「生の外側」とはどういう意味ですか?

内藤 この世を旅立った人や生まれる前の人、そして動物や精霊。その眼差しになっているから、「あなたはいまそこに生きている」と感じるのではないでしょうか。そのとき、自分を忘れています。今回、テストをしながらプランを立てていく中で、生の内と外は空間で分かれるのではなくて、意識の転換が引き起こすと実感しました。この作品構成では、見る、見られる、の転換が何度も起きます。人形(ひとがた)の《ひと》を見る、見られる。人間を見る、見られる。それを繰り返します。そして、最後に展示室14に入ると、小さな開口部から、エントランスロビーとその向こうの街の風景が見えるのですが、そこには人がいます。

 

   ‘ままごと’としての「うつし」

内藤 芸術の物語。ままごと。うつし。

住友 「ままごと」というのはどういう意味ですか?

Naito Those ribbons show us the richly varied winds that flow through those courtyards. Spaces, light, wind, things – through these, my focus has now shifted toward the human beings, toward the idea of looking at the people in those spaces. When Matrix at the Teshima Art Museum was finally completed, I was moved most by how beautiful the human figures appeared to me. Without realizing it, I’d developed love and affection for all the people there that I didn’t even know.

 

   Looking on from “outside life”

Sumitomo It takes an incredible feat to make viewers feel that way too – feel how its creator feels. But the space you created on Teshima does just that, even with first-time viewers of your art.

Naito With the Teshima work, the scale of the space is part of the experience. You see people from a distance, right? That’s a different experience to viewing a painting shoulder-to-shoulder. With this exhibition too, the experience is largely affected by the scale of the spaces and the artwork, and by the lighting that changes throughout the day. Natural light isn’t fixed, so the artwork’s impression constantly changes too. But even removing all that, each individual viewer has lived a different personal history, and feels different on a given day. How people feel about the artwork can also change from moment to moment, and even vary sharply within the same space depending on where they stand or how high their eyeline is. With my work, the viewers are fully exposed to the influence of such factors. Many believe that these influences should be avoided – that we should aspire to create stable things that look the same anywhere, anytime. But that’s not what my work is about. Accepting it all as is means that the works are unstable, so the way viewers perceive and feel about them is always fluid and changing too. No two people are having the same experience, because an individual experience will only ever be individual. You might be sharing the artwork with other people, but you won’t share the same experience, you can’t. Human beings are solitary like that. No-one can step into someone else’s world, and besides, I don’t want to ruin anyone’s personal experience of that moment. Anyway, that’s how I began to feel, and I had a sense that I shared these feelings with the viewers too. I found this at Teshima, and with the Kanazawa works too. I experienced a similar thing with the work I made two years before Teshima, at Nizayama Forest Art Museum in Toyama – the one with the water dripping down from above every now and then. It was around then that I started being aware of the people beyond the objects – people alive in the there and then. And by the time of the exhibition in Mito, this had developed into the idea of “compassion.” The way I see it, whenever we humans feel such a way, it’s because we’ve stepped outside life.

Sumitomo This seems like a crucial point. Can you explain what exactly you mean by “outside life”?

Naito The departed, the yet unborn, animals, spirits… It’s such a gaze that makes us see other people and feel: “You’re alive, right there, right now.” We’re not aware of ourselves in those moments. As I was planning and testing things out for this exhibition, I realized that this idea of “inside life” and “outside life” is not to do with a spatial division but with a shift of consciousness. The exhibits at Kanazawa are set up such that you go back and forth between seeing and being seen: seeing the human-shaped figures in human, then being seen by them; seeing other people, then being seen by them. And this pattern is repeated. Then, finally, you reach Room 14 with that small opening that looks onto the entrance lobby and the streets beyond it, and you see human beings there once again.

 

   “Playing house” and “mirroring”

Naito The stories that art tells – they’re an act of playing house, of mirroring.

Sumitomo What do you mean by “playing house”?

内藤礼 《無題(母型)》 2008年 写真:畠山直哉

Rei Naito “untitled(matrix)”, 2008, vinyl, thread, beads, electric stoves, paint on wood. Photo: Naoya Hatakeyama

内藤 「うつしあう創造」と展覧会タイトルを付けましたが、「うつし」には、「映す」、「写す」、「移す」、「遷す」とあります。例えば、生と死。光と闇。自然と人間。作品と作家。作品と鑑賞者。対立しているように見えるものは、もともと分けられないようなもので、それが二つに分かれると、そこには間、空間が生まれます。そして、分かれてしまうので、その空間で「うつしあう」のです。分かれなかったらうつしあわない。この空間には動きが生まれ、いきいきした生気も湧いてきます。ままごとは、「うつし」の中でも学びや真似ることです。

住友 内藤さんの作品ではひとりで内省する印象が強かったので、今回の展覧会タイトルにははじめから複数の存在が想定されていることが気になっていました。

内藤 きっと人間の初動に関心があるのかな。人間とは何か。地上に生まれ育った人間とは。

 

   光と色彩と生が同時に顕われる

内藤 はじめに原初の光景があり、水がときどき落ちて。もし手前の空間に私たちが立つと、光景は「うつし」になるかもしれない。そして、見えないけれども同じように糸が。

住友 見えない場所になにか置かれている、と手元のガイドマップで確認していました(笑)

Naito Well, the title of this exhibition is “Mirror Creation,” but the Japanese verb for “mirror,” utsusu, can also mean to “reflect,” “copy,” “alter.” Take pairs like life and death, light and darkness, nature and humanity, artwork and artist, artwork and viewer. These seeming polar opposites are originally indivisible in nature, and so when you split them into two, it creates this in-between space, in which the divided halves are “mirrored.” They wouldn’t mirror each other if they hadn’t been divided in the first place. And this space gives birth to movement and vitality. “Playing house,” as in what children do, is a particular type of mirroring, one that is emulative and edifying.

Sumitomo Your work always struck me as being introspective, self-reflective. So I was intrigued when I saw this exhibition’s title, which seemed to imply multiple entities. [The Japanese title translates more closely to “mutually reflecting creations.”]

Naito I think it’s that I’m interested in human beings’ initial reactions. It gives insight into what we are, we humans born and bred of this earth.

 

   Light, colors and life appear all at once

Naito So first you have this primordial view with water dripping down from time to time. And as we stand in the space in front of it, that view might even “mirror” us. There’s thread there too, though you can’t see it.

Sumitomo Yes, I read in my guide map that there was something installed there that I couldn’t see. [laughs]

内藤礼 《無題(母型)》 2008年 写真:畠山直哉

Rei Naito “untitled”, 2020, thread. Photo: Naoya Hatakeyama

内藤 そう、見えないです(笑) 鏡もあります。そして9と10の窓。これはテストをしているとき、大きな発見がありました。ここは、上からの自然光が入らない空間と、光庭からの自然光で眩しいほどの通路との明暗が非常に強いのですが、ほの暗い空間内で窓ガラスに映る通路を見ると、そこにいる人がカラーなのです。そして、空間に入ってくる人を、色彩が顕われた、と感じたのです。光があるからでした。空間の中にいる人は、光が少ないためにガラスにモノトーンで映っています。

Naito That’s right, you can’t see it. [laughs] There are mirrors there too. Then there are the “windows” in Rooms 9 and 10. I made a big discovery while testing the exhibit there. Unlike other rooms, those rooms don’t have natural light coming in from overhead, but the path running alongside them is brightly lit by natural light from the courtyard, so there’s a very high contrast in light levels. This meant that when I stood inside that dim space and looked at the path reflected in the glass, the people walking there appeared colorful. And when people came into the space, it was as though color had materialized. That’s all because of the lighting. People inside the space appear monotone in the glass because there’s less light.

「内藤礼 うつしあう創造」展示風景 2020年 写真:畠山直哉

“Rei Naito: Mirror Creation”, 2020, installation view at 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Photo: Naoya Hatakeyama

住友 なるほどそうか。それを実際に経験して初めて発見した。

内藤 そう。だから、もしかすると見ている人は、私のような感じでは受けとらないかもしれない。その日の天気にもよるし、気づいた人もいるかもしれないけれど。

住友 そうですね。

内藤 私もその瞬間まで気づいていなかった。光と色彩と生が同時に顕われる。切り離せないものとして。喜びの発見でした。そして、《color beginning》で知ろうとしていたことと同じだったということもわかりました。あの絵をしばらく見ていると、向こうからゆっくりと色彩と光と生が一体となって顕われてきます。もし光がなかったら絵はないです。

住友 あの作品は、みごとに光と色が顕れてくる経験を与えてくれます。

内藤 人の姿を新たに発見したのがここでの制作でした。豊島とはまた違い、生きている人の姿を色彩として知ったのです。そして、これも金沢21世紀美術館の特質で、自由に人が行き交う通路が光庭の横にあるでしょう。そこを通る人までも窓ガラスに映るのです。カラーで。そして、展示室11のほうには、遠く、地上にたくさんの《ひと》がいます。

Sumitomo I see. And you only discovered that by experiencing it firsthand.

Naito Exactly. Maybe viewers won’t see it the way I did, especially because it depends on the weather too. But some of them may notice it.

Sumitomo Right.

Naito I hadn’t noticed it either until then. Light, colors and life, emerging all at once, tied together inseparably. It was a joyous discovery. And I realized that this was also what I’d been groping for with color beginning. With those paintings too, you gaze at them and slowly begin to see colors, light and life emerge as one from within. You’d have no painting without the light.

Sumitomo color beginning beautifully creates that experience of light and color manifesting themselves.

Naito It was through this exhibition that I rediscovered the human figure, and in a different way to the Teshima work: I saw living human figures as colors. This is something specific to the 21st Century Museum of Contemporary Art, but the paths next to the light court are also visible in the glass, along with the people walking up and down them. In full color. Then, after that room, you go into Room 11, where you find a lot of those human figures on the ground in the distance.

内藤礼 《母型》 2020年、《ひと》 2011-2020年 写真:畠山直哉

Rei Naito “matrix”, 2020, water, mixed media / “human”, 2011-2020, acrylic on wood. Photo: Naoya Hatakeyama

住友 さっきも出ていたスケールですね。震災直後にベルリンで見た《ひと》は、とても孤独に見えたのですが、今回は大きな広場にそれぞれが適度な距離感でしっかり立っているようにみえたのがとても印象的でした。

内藤 スケール。俯瞰。遠くから人を見ているときの心情というものが人にはあるという気がします。展示室7で《ひと》は床に立った。大地だった。そして、展示室11では、近づくと人間の高さへ。腰から胸くらいのところにいると、親密さがまるで違う。

Sumitomo It’s a matter of scale once again. human had a very solitary feel when I first saw it in Berlin in the wake of the Tohoku earthquake and tsunami. But with this exhibition, the figures were standing in a larger, more open space at comfortable distances from one another, and they appeared stronger, more secure. That left a big impression on me.

Naito Scale, perspective… I think there’s something very particular about the feeling you have when you’re watching human beings at a distance. In Room 7, the figures of human stand on the floor, on the earth. Then, when you approach the figures in Room 11, they’re closer to your own eyeline. And there’s a whole new intimacy when you see them at that height, somewhere between your hip and your chest.

内藤礼 《母型》 2020年、《ひと》 2020年 写真:畠山直哉

Rei Naito “matrix”, 2020, water, mixed media / “human”, 2020, acrylic on wood. Photo: Naoya Hatakeyama

「内藤礼 うつしあう創造」展示風景 2020年 写真:畠山直哉

“Rei Naito: Mirror Creation”, 2020, installation view at 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa. Photo: Naoya Hatakeyama

住友 全然違いますね。金沢も水戸も、展示室のどこかが汚れてきたり、傷があったりするじゃないですか。自然光によって、見ている人たちにそうした細部が明るみに出ている。これがとても心地よくて、それは隠すべきものじゃなく、むしろ、内藤さんの言葉で言う「祝福」されているように見えるというのは、すごくあったかい気持ちになるところがありました。何度も見ているはずの建物ともう一回出会い直しているみたいなところがあります。

内藤 光や空間の受け止め方もそうですけれど、そのままを受け止められるか、受容を肯定できるか。作り替えるのではない場やものとの人間の関係の持ち方。どういうふうだったら接してもよいのか。何をしてもいいということではなく。

住友 だから、あるものをそのままにした。

Sumitomo Absolutely. Both with Kanazawa and Mito, there are various spots in the galleries that have become stained or damaged over years of use. And the natural light bares those details to the viewers. I found that very comforting – it made me feel very warm inside to realize that these weren’t something to be hidden, but a “blessing,” to borrow your words. It was as though I was getting to know the building for the first time, even though I’ve been there many times.

Naito That goes for one’s attitude to light and space as well – whether one can take them as they are, welcoming their influence as a positive. It’s about how we humans should engage with spaces and things without trying to recreate them, about how best to get along with them. We shouldn’t just do anything we please with them.

Sumitomo That’s why you left what was there intact.

内藤礼 《無題》 2020年 写真:畠山直哉

Rei Naito “untitled”, 2020, water, glass jar. Photo: Naoya Hatakeyama

   知覚できない領域

内藤 たとえば、天気のすべてを受け容れようとするでしょう。でも頭で考えるのとは違うことが心では起きますね。私も普段、光が少ない日は沈む。それは生理的に沈むので、光の少ない日に作品を観ている人にもそういうことはあると思うのです。私自身、あの場所で突然光が差してくると、一秒にも満たない瞬間に心がぱーっと明るく変化する。しかし、それが起きるのは、もちろんそうでないときがあるからですね。先ほどもお話ししましたが、作品が動いていて、安定していないのです。人間がほんとうに感じ取れることは世界の一片だということが、作品にとって大きいという気がしてきています。人間の限界と、一方で全体が流れていること。仮に言ってみると、すべての展示空間を貫く一つの空間、それのみが知っている。何が起こったのかということを。でも、それを何とも言えない、主体があってないのだから。少なくともその主体は人間ではなく、人間を超えたものがあるということと、その世界にいるということは、大きいのだと思います。たとえば、小さい鏡が向き合う無限空間がありますが、人が覗き込むとその無限は壊れてしまう。高いところにある二つの鏡も無限空間を作っていますが、高いというただそれだけの理由で人は知ることができない。

住友 見えていないというのは、自分が把握できる世界の外側を感じとる経験でもありますね。

内藤 展示室7の糸と鏡も、あるけれど、能力的に知覚できない。でも、そういうものがあることが私にはうれしいのです。

住友 僕の中では、豊島の後は美術館の展示はやりたくなくなっちゃうんじゃないかなと思っていました。でも、金沢では、あの暗い部屋をシンメトリーに区切って使って、ああいうことができるのだったら、豊島みたいに一から作る空間じゃなく、既存の空間から、まだ気づかれていない魅力をくみ出す仕事も非常に重要ですね。

内藤 どういう風に感じますか?豊島の作品と、今回のような美術館の展示室での構成。水戸もそうでした。豊島は構成ではなくて一つで全体です。

住友 豊島は、時間軸が一切なくて、あそこで完全に作品に包み込まれている。みんながそこでたゆたうような時間を過ごす。あれはもう唯一無二の時間です。美術館では、自分が作品を見ながら歩き回ることで生まれ出る物語がある点が違います。最後の円形の部屋の窓から外側を眺めることで、自分の内面と外の世界が貫通するような経験をして、その物語が完結するのは美術館の空間を内藤さんが経験的に把握しているからできることだと思います。

内藤 たしかに、美術館という場所だから起こりうることがあります。

   Imperceptible realms

Naito So let’s say you set out to welcome the weather in all its changeability. But what your head thinks and what your heart feels are different. Personally, I tend to feel quite low on days with little sunlight. That’s a biological reaction, so other people viewing the artwork might experience a similar thing on a dreary day. And when I’m in that space and natural light suddenly shines through, it takes less than a second for me to feel my heart grow brighter. But that only happens, of course, because it’s not always bright. As I said earlier, the work is unstable, it’s in flux. I’ve recently started to think that my work is largely concerned with the idea that humans can only perceive a fragment of the world. So on the one hand, you have human beings with all their limitations, and on the other, you have this totality that’s in flux. To describe it in abstract terms, it’s like there’s one overarching space which encompasses all the exhibition spaces, which alone knows everything that is happening everywhere inside it. It’s hard to say what this is exactly, because it’s not a physical entity as such. At the very least, it’s not human. But I think it’s important to be aware that this world we live in contains something that is beyond us human beings. Take for example that infinite space created by small mirrors that face each other. When people peer in, that infinity is disrupted, destroyed. Similarly, the two mirrors installed high up create an infinite space too, but the human viewers aren’t privy to it simply because the mirrors are too high.

Sumitomo I guess that experience of being unable to see amounts to sensing beyond the world of our perception.

Naito Yes, like with the thread and the mirrors in Room 7 – we’re incapable of perceiving them, even though they’re there. But it comforts me to have things like that.

Sumitomo I’d personally thought you might not want to do museum exhibitions anymore after Teshima. But then I saw what you managed to achieve in Kanazawa, like with that dark room that you divided symmetrically. With pre-existing settings like that – as opposed to something like the Teshima artwork, which was designed and built from the ground up – an essential part of your job is to bring out appeal that has been overlooked.

Naito What difference do you feel between the Teshima artwork and arrangements composed of multiple exhibition rooms, like the Kanazawa exhibition or the one at Art Tower Mito? The Teshima artwork has no arrangement as such: it is one and whole.

Sumitomo The Teshima artwork is totally removed from time. It totally envelops you, so you end up afloat in time with the other people present. That’s a genuinely one-and-only experience. With a museum, you walk around going from artwork to artwork, and this process creates a certain narrative. In this exhibition, you gaze outside the window in the final circular room, and it feels as though your internal and external worlds have been joined together by a hole. And that’s the narrative’s conclusion. It’s a structure that can only have been conceived by someone with your experience and understanding of how museum spaces work.

Naito As you say, there are things that can only work at a museum.

内藤礼 《地上はどんなところだったか》 2020年 ガラス、糸 写真:畠山直哉

Rei Naito “What Kind of Place was the Earth?”, 2020, glass, thread. Photo: Naoya Hatakeyama

住友 豊島は、まわりを自然に囲まれていて、音とか空気が中にも入り込むのだけれど、入ってしまうと外とは切り離された感じがする。でも、今回の展覧会は、まず中庭で風を見るとか、最後の部屋で道路の向こう側が見えるとか、そういう外側を感じられるところがとても効果的だという感じがします。

内藤 そうですか。建築というか、人工の、目的を持った空間にいるから余計にわずかに入ってくる自然をつよく感じるのかもしれない。でも、きっとあの美術館でしかあり得ないですね。展示室からチケット売り場が見えるなんて。

住友 あの位置関係に気づいた内藤さんがすごい(笑)

内藤 あれがもし整えられた庭だったら、この作品は存在しないですね。最後の小さな開口部から見えるのは、流れている日常、社会。そして、その遠くに見える人にたいして、愛情を感じるだろうか、慈悲が生じるだろうか、あなたはいまそこに生きていると思えるのか。それが自分への問いでした。もし思えたときには、あの穴を突破して、この世に生まれるのです。

住友 (笑)

内藤 (笑) そして、生きている間は、この世に何度でも戻れる。戻る場所はあった。あのなんでもないカラーの風景に。

住友 覚えていますよ。最後、誰だか知らないおじさんの顔を見ましたよ。でもね、こういうのが見えちゃったって思ったときに、それが切り取られているってすごい経験だなと思って。愛着っていうかね。

内藤 そう、愛着。それは芸術だ。そうも思います。

Sumitomo Even though wind and sounds come into the Teshima artwork from the surrounding nature, you still feel removed from the outside world once you’re inside. In contrast, this exhibition gives visitors a sense of the outside, like the wind that’s been made visible in the courtyard, or the streets outside the museum that you can see from the last room. That was a particularly effective touch.

Naito Yes, I see. Maybe the hints of nature that enter the space have a stronger presence when you’re inside architecture – inside artificial spaces with a defined purpose. But that’s something unique to that museum. It’s not in every museum that you can see the ticket office from inside the exhibition room.

Sumitomo It’s amazing how you noticed that. [laughs]

Naito If that had been a well-groomed garden, this work wouldn’t exist. What you see from that little opening is everyday society, the world in all its flux. There are people visible in the distance. And the question is whether or not you’re able to feel love for them, to feel a sense of compassion, to feel how you yourself are living in that world, right now. These were questions I was asking myself too. Well, when you achieve that state of mind, that’s when you emerge through that opening and are born into this world. [both laugh] While you’re alive, you can return to this world whenever you wish. There’s somewhere you can go back to – that mundane scene in color.

Sumitomo I remember well. As for me, I looked out of that opening at the end and saw a random guy’s face. I was initially a little dismayed, but then I realized how rare that experience was in itself, to have that slice of reality. I even felt an affection of sorts.

Naito Affection – that’s right. The way I see it, that’s art too.

内藤礼 《母型》 2020年 スフレビーズ、鈴、テグス 写真:畠山直哉

Rei Naito “matrix”, 2020, soufflé beads, bell, nylon line. Photo: Naoya Hatakeyama


於:タカ・イシイギャラリー


翻訳:川田康正(Art Translators Collective)


全ての図版:「内藤礼 うつしあう創造」展示風景 2020年 金沢21世紀美術館
協力:金沢21世紀美術館


Interview conducted at Taka Ishii Gallery


Translator: Yasumasa Kawata (Art Translators Collective)


All images are installation views of Rei Naito: Mirror Creation (2020) at the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa.
Special thanks to the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa

Installation View

About

人と自然、わたしとあなた、生と死、内と外、そして人と作品のあいだに生じる移し、写し、映し、遷し。「うつしあう」両者のあいだに顕われる生気、慈悲、それらとの一体感のうちに、生へと向かおうとする「創造」の瞬間が見出されるのです。
—————— 金沢21世紀美術館「内藤礼 うつしあう創造」展プレスリリースより

内藤礼は、光、水、風、大地など自然のエレメント、糸やリボン、ビーズやガラスといった繊細な素材、そして天候や時間など移りゆくものを受けとめることによって、地上の生の光景を出現させてきました。ささやかに手を加えられた展示空間がもたらす色彩や音は、私たちに「世界・自然との連続性のなかに生きている」ことを静かに提示します。静寂、鑑賞者の呼吸や衣摺れの音、そしてだれのものともつかぬ他者の気配、それらが空間に溶け込み、私たちは、そのうちに自らもその世界と一体であることに気づかされるのです。《このことを》家プロジェクト「きんざ」(直島、2001年)、《母型》(豊島美術館、2010年)、「信の感情」(東京都庭園美術館、2014年)などを制作するなかで、作家は「生の内にいる者 (私)が、生の外に出て、生の内を眼差す無意識の働き」に直面していくことになります。そして「うつしあう創造」(金沢21世紀美術館、2020年)においては、『「人(わたし)が作る」を超えること』を問い続けてきた作家が、はじめて「創造」と向き合います。それは人が自らを主体であると認め、人になろうとする行為だと作家はいいます。
ビューイング・ルームにてご紹介する作品《color beginning》は、内藤礼が2005年から制作を続けている絵画のシリーズです。ゆっくりと対峙するうちに光と生気と一つになって現れてくる色彩は、人の心の状態、作品と向かい合う環境によって、知覚と感情のありかたが刻々と変化することを伝えます。個展「うつしあう創造」(金沢21世紀美術館、2020年)において展示されている絵画作品と同時期に制作された作品です。

 

It is a process that involves moving back and forth between human beings and nature, you and I, life and death, inside and outside, and people and art as well as copying, reflecting, and altering these things. In developing a sense of unity with the anima and compassion that emerges from these mirrored images, a moment of creation arises as one attempts to face life.
—————— Excerpt from the press release of the exhibition, “Rei Naito: Mirror Creation,” 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa

Rei Naito creates scenes of life on earth through engaging with natural elements of light, water, wind, delicate materials such as thread, ribbons, beads, glass, and further integrating changing ephemeral entities like weather and time. The colors and sounds brought about through her subtle interventions with the exhibition space quietly convey to us that “we are living amidst a continuum with the world and nature.” Silence, the sounds of viewers’ breathing and the rustle of clothing, and the indistinguishable presences of others dissolve into the space, over time evoking within us the awareness that we too are one with this world. In creating permanent installations such as Being given (“Kinza” Art House Project, Naoshima, 2001) and Matrix (Teshima Art Museum, 2010), as well as her solo exhibition the emotion of belief (Tokyo Metropolitan Teien Art Museum, 2014), the artist had come to confront “the subconscious movement of one (I) who is inside of life, stepping out of it so as to gaze at it from the outside.” In “Rei Naito: Mirror Creation” (21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, 2020), the artist, who has consistently endeavored to “transcend what people (I) make,” deals with “creation” for the first time. The artist herself suggests that this is an act of learning to allow ourselves to become the subject and become human.
The work color beginning, introduced in the viewing room, is a series of paintings that Naito has been creating since 2005. While taking time to come face to face with the work, colors come to emerge through developing a sense of unity with light and anima. Such conveys that perception and the nature of emotions change from moment to next depending on the state of a person’s mind, as well as the environment in which they engage with the work. These works were created during the same period as the paintings presented in her solo exhibition “Rei Naito: Mirror Creation” (21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, 2020).

 

Information


内藤礼「うつしあう創造」


[会期] 2020年6月27日[土] — 8月23日[日] * 日時指定入場制
[会場] 金沢21世紀美術館
[URL] Official web site

 


Rei Naito: Mirror Creation


[Date]June 27 (Sat.) – August 23 (Sun.)
[Venue]21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa
 * Admission to the exhibition permitted with timed-entry tickets only.
[URL] Official web site

 

Biography


内藤礼
1961年広島県生まれ。現在東京を拠点に活動。
1985年武蔵野美術大学造形学部視覚伝達デザイン学科卒業。


1991年、佐賀町エキジビット・スペースで発表した《地上にひとつの場所を》で注目を集め、1997年には第47回ベネチア・ビエンナーレ国際美術展の日本館にて同作品を展示。「地上に存在することは、それ自体、祝福であるのか」を一貫したテーマとした作品を手がけている。これまでの主な個展に「みごとに晴れて訪れるを待て」国立国際美術館(大阪、1995年)、「Being Called」フランクフルト近代美術館企画、カルメル会修道院(フランクフルト、1997年)、「すべて動物は、世界の内にちょうど水の中に水があるように存在している」神奈川県立近代美術館 鎌倉(神奈川、2009年)、「信の感情」東京都庭園美術館(東京、2014年)、「信の感情」パリ日本文化会館(パリ、2017年)、「Two Lives」テルアビブ美術館(テルアビブ、2017年)、「明るい地上には あなたの姿が見える」水戸芸術館現代美術ギャラリー(茨城、2018年)がある。本年8月23日まで、金沢21世紀美術館にて個展「うつしあう創造」を開催。
パーマネント作品に、《このことを》家プロジェクト「きんざ」(香川、2001年)、《母型》豊島美術館(香川、2010年)。受賞に、日本現代藝術奨励賞(インスタレーション部門、1995年)、第一回アサヒビール芸術賞(2003年)、第60回毎日芸術賞(2019年)、第69回芸術選奨文部科学大臣賞(美術部門、2019年)。

 


Rei Naito
Born in 1961 in Hiroshima.
Currently lives and works in Tokyo.
In 1985, she graduated the Musashino Art University, College of Art and Design, Visual Communication Design.


She first came to public recognition with “One Place on The Earth”, at Sagacho Exhibit Space, Tokyo in 1991. his led to her being invited to install the same piece within the Japanese Pavilion at the 47h Venice Biennale in 1997. Her work asks us “Is our existence on the Earth a blessing in itself?”
Notable solo exhibitions include “Migoto ni harete otozureru wo mate”, The National Museum of Art, Osaka (1995); “Being Called”, Karmeliterkloster, Frankfurt am Main (1997); “Tout animal est dans le monde comme de l’eau à l’intérieur de l’eau”, The Museum of Modern Art, Kamakura, Kanagawa (2009); “the emotion of belief”, Tokyo Metropolitan Teien Art Museum, Tokyo (2014); “the emotion of belief”, The Japan Cultural Institute in Paris (2017); “Two Lives”, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv (2017) and “on the bright Earth I see you”, Contemporary Art Center, Art Tower Mito, Ibaraki (2018). Her solo exhibition “Rei Naito: Mirror Creation” is currently on view at the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa until August 23.
Permanent installations include Being given (Kinza, Art House Project, Naoshima, Kagawa, 2001), Matrix (Teshima Art Museum, Teshima, Kagawa, 2010). Awards received include Promising Artists and Scholars of Contemporary Japanese Arts by Japan Arts Foundation, (Installation field, 1995), 1st Asahi Beer Arts Awards by Asahi Beer Arts Foundation (2003), 60th Mainichi Art Prize (2019) and 69th Minister of Education Award for Fine Arts (2019).

 


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