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Yoichi Umetsu: Exploring Textures of Imagined Worlds | Dec 01, 2022

Yoichi Umetsu:
Exploring Textures of Imagined Worlds

Dec 01, 2022

Features

Yoichi Umetsu:
Exploring Textures of Imagined Worlds

Dec 01, 2022

Photo: MOROCOSHI

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「想像の世界の質感を探る」

梅津庸一 × 有村竜太朗 対談

 

美術と教育、共同体の在り方、そして日本の近代美術の成立やその背景に一貫して関心を抱き、制作、展覧会の企画、論考の執筆、私塾「パープルーム予備校」主宰など、多様な実践を通して批評考察する梅津庸一。 Plastic Treeのヴォーカル&ギタリストの活動、ソロプロジェクトとして独特な世界観を創り出し、オリジナルのアパレルブランド“the closet”を手掛けるなど、クリエイターとして多くの人々を魅了する有村竜太朗。

制作の始まりはPlastic Treeをはじめとするバンドからの影響で、とりわけ20年以上聴き続けているPlastic Treeの音楽から得たものが作品に渦巻いていると梅津は語る。異なる領域で活動する2人の「つくる」ことへの思いや通底する姿勢とは?

“Exploring Textures of Imagined Worlds”
Conversation: Yoichi Umetsu & Ryutaro Arimura

 

Yoichi Umetsu has taken a consistent interest in art and education, the nature of the collective, and the formation and context of modern art in Japan. He critiques and examines these topics through a variety of practices, including making art, organizing exhibitions, writing essays, and presiding over the independent academy Parplume Yobiko (cram school). Ryutaro Arimura is the vocalist and guitarist of the band Plastic Tree, and is also engaged in solo projects that convey a unique vision, as well as being the creator of the apparel brand “The Closet.”
Umetsu says that his creative activities were sparked by the influence of bands, chief among them Plastic Tree, and that the music of Plastic Tree, which he has listened to for more than 20 years, is a source of inspiration that pervades his work. What are the shared thoughts and attitudes toward creative expression underlying the works of these two artists active in different media?

 

 

    Plastic Treeの詩の世界

 

梅津 はじめまして、梅津です。さっそくですが展覧会を観ていただきながらいろいろお話しできればと思います。正直かなり緊張しております。まずは読者の方に向けて自己紹介をお願いできますでしょうか?

 

有村 はじめまして、有村竜太朗です。Plastic Tree というバンドで歌ったり、ソロでも音楽活動してます。よろしくお願いします。今回初めて、観させていただいたんですが…すごいですね。

 

梅津 展覧会のタイトルの「緑色の太陽」は高松光太郎という彫刻家兼詩人が1910年に書いたエッセイから引用しています。それと自作《レンコン状の月》をくっつけました。歴史的な文脈の縦軸と横に広がっていくようなSF的な想像力の交点として、この展覧会は構想されました。かなり夢の世界って感じになってます。これ全体が海底都市だったり月の世界だったりに見立てていますが、Plastic Treeの詩の世界からもかなり影響を受けていると思います。もちろん美術史からの影響もありますが、僕個人で言えばプラとの出会いの方が美術よりも前なので地層的に古い。それが端的に出ている展示だと思います。

 

有村 海底はそうですね、しっくりきますね。僕も多いです、月も。あ、でも自分的にこの台座の上の作品たちは、自分の曲だと「夢の島」とかがとてもイメージに近いなあと思いました。ストレートに色がすごく好きですね。稚拙なことしか言えないんですけれども(笑)。

 

 

    The Poetic World of Plastic Tree

 

Umetsu It’s great to meet you, I’m Yoichi Umetsu. Today I’d like to talk with you about a number of things while you view the exhibition. To be honest, I’m very nervous right now. But first off, could you please introduce yourself to our readers?

 

Arimura Nice to meet you, I’m Ryutaro Arimura. I sing in the band Plastic Tree, and I also have some solo music projects. I’m very happy to be here today. This is the first time I’ve seen your work… Wow.

 

Umetsu The Green Sun in the exhibition title comes from an essay written in 1910 by the sculptor and poet Kotaro Takamura, and I combined it with the title of one of my own works, Renkon-Shaped Moon [renkon is a root vegetable, known in English as lotus root]. The exhibition was conceived as the intersection of a vertical axis of historical context and science fiction-like imagination that extends horizontally. The result is basically a dream world. The exhibition as a whole is intended to be an underwater city or a lunar landscape, but I think it is also very much influenced by the poetic world of Plastic Tree. Of course there are also art-historical influences, but for me personally, my encounter with Plastic Tree is at a deeper geological stratum, so to speak, since it predates my engagement with art. I think that emerges straightforwardly in this show.

 

Arimura I can really relate to the sea floor, and the moon is a theme I often deal with too. But to me, the works on the pedestal really connect to imagery in my song Dream Island and others. I love the colors. Sorry, my comments are really unsophisticated [laughs].

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梅津 色も陶芸の場合、焼く前は灰色とか茶色だったりして、1200度で焼いてはじめてこの色になる。普通絵の具だと色が焼けて全部飛んでしまうので、熱に耐えられる顔料と金属の化学反応で出る色。有機物が死んだ後なんだけど、有機的なものを作るという矛盾。ルーシー・リーっていうイギリスの陶芸家がいるんですけど、その彼女のすごく綺麗なピンク色の釉薬がありまして、酸化クロームの上に錫を乗せると化学反応でピンクになるっていう処方なのですが、ところがこんなくすんだ古いアンティークみたいなピンクになってしまった。普通の陶芸だったら失敗なんですけど、僕はこういうのも歓迎するようにしています。1つ1つ丹念に見ていくと作者が造形に関わっていないこういう粒子的な肌理に見尽くせない複雑さがある。

 

有村 信じらんない。灰色だったんだ…えぇ…。あまり見たことがない色ですもんね。本当に不思議すぎる色ですね。どっかで見たことがあるけど説明がつかない、見たことがない…。なんていうんだろう(笑)。すごく想像できますね、いろんなことを。たくさんのことがあったけど残った後なんですね。

 

梅津 そうですね。水彩画の方も、陶芸を見てからだと多分見方がちょっと見えてくるはず。水平にして水溜りみたいなものを作るんですけど、乾くときに絵の具が分離して、重い顔料が下に沈んで、軽い顔料が上に浮いたり、小さい顔料が紙の中に染み込んだりする。陶芸から学んだ配色も応用してます。例えばこの緑と小豆色が同じ辰砂っていう銅の釉薬なんですけど、銅の釉薬って、還元焼成っていう酸欠状態で焼くとこの色になって、普通に酸素が十分にある状態で焼くとこの色になる。これまでみたいに画家的な脳で考えるとこれとこれって全然違う色なんですけど、陶芸家からすると同じ銅の発色だと。物質に寄り添って、もともと、銅はこういう色になりますみたいなものを、ややロマンチックな世界観の中に入れていくっていう。サイエンスとポエティックな世界の合流地点っていう感じで。人が描いたっていう痕跡と、水が蒸発して顔料がどんなふうに固まるかとか、ある程度までしか制御できない。

Umetsu The ceramic pieces, they were gray or brown before firing, and those colors only emerged after firing at 1,200 degrees Celsius. If ordinary paint was used, the color would burn away and disappear, but these colors were produced by a chemical reaction between pigments and metals that can withstand the heat. It’s a contradiction in terms: the organic matter is dead, but it’s still organic. There’s a British ceramicist named Lucie Rie who produces a very beautiful pink glaze, using a formula where tin is laid on top of chromium oxide and a chemical reaction turns it pink.
In my case, though, it turned out as this very muted pink, like an old antique tone. If they were ordinary ceramic pieces it would be a failure, but I welcome this kind of thing. If you look at them carefully one by one, you can see unfathomable complexity in the granularity of the particles, which the artist is not involved in creating.

 

Arimura That’s unbelievable. It was originally gray… I’ve never really seen color like this before. It’s just so mysterious. It’s like I have a sense of déjà vu but I can’t tell where I saw it, actually I’ve never seen it before… What am I trying to say? [laughs]. It sparks the imagination in all kinds of ways. It’s like all kinds of things occurred, but there are only traces remaining.

 

Umetsu I know what you mean. The watercolors probably look a bit different if you view them after seeing the ceramics. I lay them horizontally, making something like puddles of paint, and as it dries the paint separates, with the heavier pigments sinking to the bottom and the lighter pigments floating to the top, or the smaller grains of pigment seeping into the paper. I also apply color schemes that I learned from ceramics. For example, this green and this reddish-brown are the colors of the same copper glaze, called cinnabar. Copper glaze becomes this color when fired using reduction firing, which deprives it of oxygen, but it becomes this color when fired under normal conditions with sufficient oxygen. From a painter’s perspective these are two completely different colors, but from a ceramic artist’s point of view, they are both shades of copper. By engaging with the material, you take what was originally the straightforward color of copper and expand it into a more romantic worldview. It’s the worlds of science and poetry coming together. There’s painting, which is a record of human intention, and then there’s how the pigment hardens as the water evaporates, which we can only control to a certain extent.

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有村 説明を受けると、そこからめちゃめちゃ入り込めます。

 

梅津 入り口がないと、どう見ていいのか多分こういうのわからないと思うんですけど、ピントが合ってくると意外とそんなに…。

 

有村 ほんとにほんとに、そんな感じです。入り込めると逆に抜けられなくなるような感覚ですね。

 

梅津 歌詞の意味をそのまま捉えられたりすることもあると思うんですけど、言語、声質とか声紋とか、言葉で映像を表現したりとか、歌自体にモノ的な要素があるように思います。僕の場合も例えばこれは雑木林といいながらも、雑木林を作りたいわけではなく、こういう色だったりとか、こういう質感だったり、こういうひびとかを本当は見て欲しかったりする。でも完全に抽象になっちゃうと取っ掛かりがなくなるので、一応、題材はあるんですけど。こういう何か瑪瑙のようなマーブル状の模様を実は一番見せたかったり、そういうこともPlastic Treeから学んだような気がしています。歌詞そのままの意味以上の質量や奥行きがあるっていうか、音の粒みたいなものものも…。

 

有村 捉えてもらえる人には…。僕、こう言っちゃうとあれですけど結構感覚的で、意味はちょっとあったりはするけど、言葉の暴走ってさっき言ってくれたのと同じで、僕も歓迎するようにしていて、言葉が勝手に暴走していくのがちょっと面白いなっていう。

 

梅津 僕からするとそれをずっとずっと追いかけてきた感じがある。あと僕もそれこそいろんな美術の外のものからも影響を受けてるんですけど。様々な要素をひとつの作品に統合する手つきもPlastic Treeが理想だなと思っていまして。

 

有村 いや、いや、光栄の至りしかないんですけど。

Arimura When you explain it that way, it really opens it up for me.

 

Umetsu Without an entry point, people might not know how to look at something like this, but once it comes into focus, it’s surprisingly not so hard…

 

Arimura That’s it, totally. Once you get into it, it’s impossible to pull yourself out.

 

Umetsu I think there are times when the meanings of lyrics can be interpreted at face value, but I also think that songs themselves have physical elements to them, like language, vocal quality, voiceprint, and expression of images through words. In my case, for example, I may call something a thicket, but I am not trying to create a thicket per se, what I really want is for viewers to see this color, this texture, these cracks. But if the work becomes completely abstract then there will be nothing to catch the viewer’s eye, so I have a subject in mind. For example, this kind of marbled pattern, like agate, is what I most want to present––I think I learned that kind of thing from Plastic Tree. There is mass and depth beyond the overt meaning of the lyrics, like grains of sound…

 

Arimura There is, for people who catch on to it… actually, I’m a very sensory person, and although there are some meanings to the words, I welcome having them run wild, like you said earlier, and it’s interesting when words run wild on their own.

 

Umetsu Personally, I feel like that’s just what I’ve been pursuing for a very long time. I’m influenced by many things besides the visual arts. I think Plastic Tree’s way of integrating various elements into a single work is ideal.

 

Arimura Well, it’s really an honor for me to hear that.

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    偶然のなにかを待っている

 

梅津 あと、ツアーのタイトルですが「花燃えて亡霊の涙、天幕に堕ちる」(2005年)や「黒い速度の四角形。」(2006年)などの言葉の組み合わせは本当にかっこいいしめっちゃ影響を受けました。

 

有村 自分の中には理由のある偶発性みたいのがあって。

 

梅津 うまく言語化できないけど、結局それが言語の領域で明確に表現されているってすごく面白いです。そこに音が乗ることでこれまた複雑な連立方程式となって立ち上がる。美術と音楽の影響関係って昔から語られてはいるけど非常にぼんやりすることが多い。それが積極的な誤読であっても僕はかまわないと思う。事実、僕は影響を受けたり、読み込んだ結果こうなったわけだから。

 

有村 いや、うん、読み込まれてるっていう気がします。いやもう、そうですね。「十色定理」のアルバムでご一緒してみたかった。僕の中で梅津さんの作品の色があまりにすごかったので。

 

梅津 あー、本当ですね。僕の夢でもあるんです。こんなおこがましいですけど、いつかPlastic Treeや有村さんのソロのブックレットやアートワークをやりたかった。

 

有村 うれしいです。ぜひやりたいですね。ていうかもっと触れたいですね、たくさん。すごく面白い世界ですね。

 

梅津 これは、作る途中に雨の日でなかなか粘土が乾かず、東京に戻らなきゃいけない日で、急いで作ったらガシャッと崩れてしまって、失敗と思ったんですけどそのまま乾燥させて焼いたものです。

 

有村 生き物チックですよね。

 

 

    Waiting for an Accident to Come

 

Umetsu I also loved the titles of your tours, like Hana Moete Bourei no Namida, Tenmaku ni Ochiru (Flowers Burning, Tears of Ghosts, Falling on the Circus Tent) (2005) and Kuroi Sokudo no Shikakukei。(Square of Black Velocity.) (2006), they were really amazing combinations of words and they were a big influence on me.

 

Arimura For me there was a kind of internal logic to the randomness.

 

Umetsu It’s really interesting that these things can’t easily be verbalized, but in the end they’re clearly expressed in the realm of language. Sound is added to it, and it becomes a complex system of equations. People have talked for a long time about mutual influences between art and music, but often in extremely vague terms. I don’t think I mind it if people very deliberately misinterpret things. I mean, I became what I am because of things that have influenced me and my interpretations of them.

 

Arimura Yes, well, I feel like you’ve understood us. I wish we could have worked together on the Jusshoku Teiri (Ten-Color Theorem) album. The colors you produce are so amazing to me.

 

Umetsu Thank you, I feel the same way. It is a dream for me, too. I know it’s a bit forward of me, but I’ve hoped I could do booklets and artwork for Plastic Tree and your solo projects someday.

 

Arimura That means a lot to me. We should definitely work together. And I’d like to get to know your work better, it’s a fascinating world to me.

 

Umetsu I made this on a rainy day when the clay was taking forever to dry, and I had to get back to Tokyo, but when I hurried to complete it collapsed and lost its shape, like splat. I thought it was a failure, but I went ahead and fired it as it was anyway.

 

Arimura It looks like some kind of organism.

梅津庸一「sleep in the sky」、セラミック、2022年、21 × 44.4 × 18 cm
Photo: Kenji Takahashi

Yoichi Umetsu, “sleep in the sky”, 2022, ceramic, 21 × 44.4 × 18 cm
Photo:Kenji Takahashi

梅津 そうなんです、意図しないほうがこの背骨みたいな曲線が生まれたり。

 

有村 ガシャっとしたことで生き物になったんですよ。ある種開放ですからね。音楽の言葉も、自分の場合は、もちろん考えるんですけど、どこかで偶然のなにかを待ってるっていうか。

 

梅津 そうですね。陶芸も絵もそうだけど、レコーディングとちょっと似てて。過去の自分が残したもので、陶芸だったらここに指紋の跡とかが全部転写されていて、よく見るとあって、その時の思いつきと、手つきや指の圧力のレコーディング、記録したものともいえて、それを人に観てもらえるというところも…。だから美術の場合ライブがあまりないんですよね。パフォーマンスだとできるんですけど、基本的に記録したものを並べている…。

 

有村 素敵ですね。

 

梅津 ありがとうございます。これは、クラゲが着想元の《母屋》という作品。

Umetsu Yes, somehow it came out with these curves like a spine, even though that wasn’t what I intended.

 

Arimura You said it went splat, that means it’s a living thing. It experienced some kind of liberation. In my case, I think out the lyrics for music, too, of course, but in a way somehow I’m waiting for an accident to come.

 

Umetsu Yes, ceramics and painting are also a bit similar to recording. In the case of ceramics, there are fingerprints and other marks on the surface, you can see them if you look closely. You can call that a recording of your thoughts at that time and the pressure of your hands and fingers, and that’s something you can show to others. With fine art there’s not much that’s analogous to live performance, there is performance art, but basically it’s presenting people with recordings of what you’ve done…

 

Arimura That makes a lot of sense.

 

Umetsu Thank you. This is titled Central Room, it was inspired by jellyfish.

梅津庸一「母屋」、2022年、セラミック、24.8 × 21.6 × 13.6 cm
Photo:Kenji Takahashi

Yoichi Umetsu, “Central Room”, 2022, ceramic, 24.8 × 21.6 × 13.6 cm
Photo:Kenji Takahashi

有村 可愛い。溶けたガラスが妙に好きなんですけど。理由なく好きなものがちゃんと作品になってるのがすごいなって。そこを追求しているんですね。

 

梅津 そうですね。大きいテーマはなかなか語れないんですけど、この配色、この質感で感情が揺さぶられたりするというのをすごく大事にしたいなと思っていて。

 

有村 すごく刺さりますね。

Arimura It’s really charming. I have a strange attraction to melted glass. It’s amazing to me that something that strangely appeals to me for some reason can become a work of art. That’s kind of what you’re pursuing, isn’t it?

 

Umetsu That’s right. It’s hard for me to talk about profound themes, but I want to focus on the way color schemes and textures can move people’s emotions.

 

Arimura It really packs a punch.

 

 

    制作への初期衝動

 

梅津 これは《水玉劇場》という作品で、これもドローイングの水玉から派生してきました。絵画の空間の中では水玉は簡単に宙に浮かぶんですけど、これを陶芸にしようとした場合、支えが必要で。まぬけなんですけど、水玉を支えるために舞台の書き割りのようなハリボテの構造になっている。この作品は有村さんのソロの楽曲「円劇」から着想を得ました。「円劇」に関しては有村さんが「ROCK AND READ 098」でコロナ禍と紐づけて語っておられましたが、とても共感しました。

 

有村 光栄です。「円劇」か…。僕の中でも一番新しい曲なので。うれしいです。

 

 

    Initial Impulse to Create

 

Umetsu This piece is called Polka Dot Theater, it was derived from a drawing of polka dots. In a pictorial space it’s easy to make polka dots look like they’re floating in the air, but when I tried to make this into a ceramic piece, I needed a support. It’s a goofy idea, but to support the polka dots I gave it a structure like a stage set. This piece drew inspiration from your solo song engeki, which you mentioned in Rock and Read 098 in connection with the pandemic.

 

Arimura I’m honored. engeki… That’s my newest song, I’m happy to hear that.

2022.1.12 release Single 有村竜太朗「円劇 / engeki」ARINOSu inc.

Cover of single, Ryutaro Arimura, “engeki,” released January 12, 2022, ARINOSu inc.

有村 コロナ禍は結構でかかったですね。ライブができないっていうのがやっぱり。人に聴いてもらうとか、見てもらえるっていうことがシンプルに原動力だったところがあって。うーん、ずいぶん落ち着きましたけど、でも結構それで、僕も本当に同じ感覚で何か嫌になっちゃって、作ることとかそういうことに向き合えなくなっちゃったりして。でも逆にそれで何か違うところを向いてみて、配信ライブだったりとか、以前からやってみたかった写真を撮ったりとか、作ってみたかった洋服とかっていう違うことにエネルギーを注いだところがあるんですけど。

 

梅津 そのライブができなくなったりしても、その一方で、今こうしてる間にもPlastic Treeの曲を聞いたりしてる人って世界中にいるわけじゃないですか。

 

有村 いてくれるなら嬉しいですけど。ありがとうございます。

 

梅津 いますよ!それでもやっぱりその直接手応えがあるライブができなくなるのは…。

 

有村 やっぱ、初期衝動が多分そこだったんでしょうね。聴いてくれてる人がいるし、今はツイッターとかもあるから、人の気持ちが聞ける喜びみたいなものもあったし。わけわかんないんだけどいい、って作った曲を人に聴いてもらって、何かしら人に影響を少しは与えられるっていうのが嬉しかったんでしょうね。色んな気持ちがあったと思うんですけど、ライブって大きかったんだなってのを知りましたね。他にも喜びは山ほどあるんですけどね、ものができたときとか。

 

梅津 美術の場合、作家本人というよりは作ったものが基本的に大体一点物で。それを並べて展覧会をして。やっぱりビジネスモデルという言い方は好きじゃないんですけど、結局その一点の単価が高くて、それが1人のコレクターに買われたりとか、全然受容のされ方が音楽と違う。それで美術の場合、美術評論家や美術界の中のポジションとかを気にしながら20年くらいやってきたんですけど、コロナ禍とか、昨今の色んな、、、美術界にも色々あって嫌になってしまって。単純に作ることに没頭したいなと思ったところで陶芸と出会って。

 

有村 ちゃんと出会えたんですね。

 

梅津 そうですね。それで、いっぱい作ったらまた美術界に戻ってきてるんですけど。これもまた矛盾なんですけど。音楽のすごいところは、1個作ってもそれが色んな人にちゃんとどれが本物で偽物でってことじゃなくて、配信だろうが、CDの音源だろうが、ちゃんと届くっていうところがすごいなと。

 

有村 いいところでもあるし、歯がゆいところでもありますけどね。

 

梅津 たしかに生き物感というか、一回性の…。

 

有村 一瞬のこの価値というか。美術の場合は普遍的な一点物というか。音楽っていうのは基本的に時間そのものだから。

Arimura The pandemic was really a huge deal. I mean, not being able to perform live and all. My motivation is pretty simple, it comes from having people listen to me or see me. Yeah, things have calmed down a lot, but I’ve gotten really sick of feeling the same way all the time, and for a while I couldn’t face making new music or anything. But that meant that I turned my attention to other things, like performing live online, and doing stuff I had wanted to do for a while, like taking photographs and designing clothing.

 

Umetsu Even if you’re in a situation where you can’t perform live, there are still people all over the world listening to Plastic Tree even as we speak, right?

 

Arimura Well, it would be great if there were! Thanks for saying that.

 

Umetsu There are, there are! But I guess you lose something when you lose the immediate connection of performing live.

 

Arimura That was how I felt at first, anyway. But there are people listening, and now that we have Twitter and things like that, I can enjoy hearing what people are thinking in real time. I guess I was happy when I made a song that I had the urge to make, even if I wasn’t sure what it meant, and to have people hear it and be able to influence them in some small way. There were a lot of mixed-up feelings, but one thing I learned is how important performing live is. Of course there are a lot of other rewarding moments, like when you finish up something new.

 

Umetsu With visual art, it’s not so much the artist who made the works as the works themselves, which are usually one-of-a-kind items. You get a bunch of them together and you put on an exhibition. I don’t like to talk about it as a “business model,” but in the end, each piece is a unit that sells for a relatively high price, and it’s bought by a single collector and so forth. The way it reaches people is totally different from music. I had been making art for about 20 years, keeping an eye on art critics and my position in the art world, but with the pandemic and all the other things that are happening in the art world these days, I got fed up with things. I wanted to simply immerse myself in making art, and that was when I encountered ceramics.

 

Arimura That was good timing, wasn’t it?

 

Umetsu It was. So, after making a lot of things, I’m back on the art scene. This is another paradox. The great thing about music is that if you create even one piece of music, it doesn’t matter which is the original and which is a copy, it will reach all kinds of people, whether it’s through streaming or on a CD or whatever.

 

Arimura Yeah, well, that’s great in some ways and frustrating in others.

 

Umetsu You mean not having the organic sensation of a one-time-only experience, that kind of thing…

 

Arimura Right, the value of a single moment in time. Works of visual art are one-of-a-kind objects that can be viewed anytime. But music is basically time itself.

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Photo: MOROCOSHI

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梅津 美術も国とか、時代を超え、だいたいは超えないんですけど、まれに超えることがあって。

 

有村 超えないんですか?

 

梅津 ひとつの展覧会、ギャラリーだとせいぜい何百人とかがマックスだと思うんですけど、それが美術館とかスケールの大きい箱になると急に動員が増えたりとか。そういうのもありますし、あと、個展で出した作品が誰かの手に渡って、さらにまた誰かの手に渡ってっていうのがうまくいくと、累計で100万人に観られることになったり。その辺が、自分では制御できないまさに投瓶のような、花粉のような感じ。自分で訴えかけるっていうのも限界があって、一回発表しちゃうとあとは受け手を信じるしかないっていうのが。

 

有村 でも、超えられるものが生まれたときは超えてくれる。そのエネルギーはすごいですよね。

 

梅津 美術館に行くと、タイムカプセル的な感じで、50年前のものとかはかなり最近のものに思えるが、その作家のアーティストの一個人の人生の長さよりも長い時間の中で生きられる可能性もあって、そういうところが僕は美術の好きなところでもあるというか。全く1回も会っていない物故作家と作品を介するとコミュニケーションできたりとか、そういうことがある一方で、やっぱりそれが実際の人と人のやりとりじゃないので、そう信じられているうちは楽しいんですけど、信じられなくなると一気に孤独感、虚無感が押し寄せてくる。人によると思いますけど、音楽と比べると生きているうちのファンは少ないと思うんですよ。何万人とかはおそらく無理で。熱狂的な10人とか(笑)

 

有村 うん。そういう世界ですよね、きっと。

 

梅津 儚いですね。

Umetsu Art can cross borders and transcend historical periods, on rare occasions, although it usually doesn’t.

 

Arimura Doesn’t it?

 

Umetsu The maximum number of visitors to a single gallery exhibition is usually a few hundred people at most, though when it’s in a museum or other large-scale venue, that number suddenly increases. If a work featured in a solo show is acquired by someone, and then by someone else again, if things go well the work may be seen by a million people cumulatively over time. That’s something you can’t control, like sending out a message in a bottle, or releasing pollen into the air. There’s a limit to what one artist can do, and once they’ve exhibited work, they have no choice but to trust the viewers.

 

Arimura But when something emerges that manages to transcend barriers, it’s transcendent, right? That kind of energy is amazing.

 

Umetsu When you go to a museum, it’s like a time capsule, and something that is 50 years old still seems quite recent, but there’s the possibility of something outliving the individual, the artist that made it, and that’s one of the things I love about art. On the one hand there’s the feeling of being able to communicate with an artist who’s no longer alive through their work, even though you have never met them, but on the other hand, it’s not an actual human interaction. It’s great as long as you suspend disbelief, but if you can no longer maintain that illusion, a sense of loneliness and emptiness washes over you like a wave. I guess it depends on the person, but compared to musicians, artists don’t gain many fans while they’re alive. Tens of thousands of people is pretty much out of the question. You’re lucky to get 10 enthusiastic fans [laughs].

 

Arimura That’s just the nature of the art world, huh?

 

Umetsu It’s all ethereal.

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梅津庸一 「緑色の太陽とレンコン状の月」、展示風景 タカ・イシイギャラリー 2022年9月10日 – 10月8日 Photo: Kenji Takahashi

Yoichi Umetsu “Green Sun and Renkon-Shaped Moon”, installation view at Taka Ishii Gallery, Sep 10 – Oct 8, 2022. Photo: Kenji Takahashi

梅津庸一 「緑色の太陽とレンコン状の月」、展示風景 タカ・イシイギャラリー 2022年9月10日 – 10月8日 Photo: Kenji Takahashi

Yoichi Umetsu “Green Sun and Renkon-Shaped Moon”, installation view at Taka Ishii Gallery, Sep 10 – Oct 8, 2022. Photo: Kenji Takahashi

梅津庸一 「緑色の太陽とレンコン状の月」、展示風景 タカ・イシイギャラリー 2022年9月10日 – 10月8日 Photo: Kenji Takahashi

Yoichi Umetsu “Green Sun and Renkon-Shaped Moon”, installation view at Taka Ishii Gallery, Sep 10 – Oct 8, 2022. Photo: Kenji Takahashi

梅津庸一 「緑色の太陽とレンコン状の月」、展示風景 タカ・イシイギャラリー 2022年9月10日 – 10月8日 Photo: Kenji Takahashi

Yoichi Umetsu “Green Sun and Renkon-Shaped Moon”, installation view at Taka Ishii Gallery, Sep 10 – Oct 8, 2022. Photo: Kenji Takahashi

梅津庸一 「緑色の太陽とレンコン状の月」、展示風景 タカ・イシイギャラリー 2022年9月10日 – 10月8日 Photo: Kenji Takahashi

Yoichi Umetsu “Green Sun and Renkon-Shaped Moon”, installation view at Taka Ishii Gallery, Sep 10 – Oct 8, 2022. Photo: Kenji Takahashi

梅津庸一 「緑色の太陽とレンコン状の月」、展示風景 タカ・イシイギャラリー 2022年9月10日 – 10月8日 Photo: Kenji Takahashi

Yoichi Umetsu “Green Sun and Renkon-Shaped Moon”, installation view at Taka Ishii Gallery, Sep 10 – Oct 8, 2022. Photo: Kenji Takahashi

梅津庸一 「緑色の太陽とレンコン状の月」、展示風景 タカ・イシイギャラリー 2022年9月10日 – 10月8日 Photo: Kenji Takahashi

Yoichi Umetsu “Green Sun and Renkon-Shaped Moon”, installation view at Taka Ishii Gallery, Sep 10 – Oct 8, 2022. Photo: Kenji Takahashi

有村 この作品はどの曲を聴いてたんですかって尋ねたくなっちゃいます。

 

梅津 今回は、初期と中期と、思い切り最近の曲が多いです。

 

有村 「絶望の丘」はどれですか?って(笑) 。

 

梅津 「ロケット」も結構聴いていました(笑)。

 

有村 メンバーを連れてきたいですね。

 

梅津 本当ですか?ぜひ。「梟」も粘土を成形しながらよく聴いていました。何でも聴いてるんですけどね。

 

有村 いや、驚いたな。僕のものがこんな消化のされ方があったんだ思うと震える思いです。 …凄まじい体験だったな。本当にびっくりしちゃって。

 

梅津 ありがとうございます。

 

有村 まだまだ延々と話はできるんですけど、飲み行きますか、ってなっちゃいますよね。お酒飲まれますか?

 

梅津 好きです!!

 

有村 僕も大好きです。

 

梅津 もしご一緒できるならぜひ。

 

有村 ぜひ!もうお酒でコミュニケーションとる古いタイプなんで。昭和の人間なんで。

 

梅津 飲まない日がないですね。

 

有村 本当ですか。僕もそれに近いですね。強いわけじゃないんですけど。

 

梅津 そうですね。酒に寄りかかって生きていく(笑)。いや本当に感無量でした今日は。

 

有村 いやいや、こちらこそ。緊張しちゃってちゃんと喋れたのか…。

 

梅津 僕の方が緊張しました(笑)。そして感無量でした!ありがとうございました。

Arimura I’m tempted to ask what you were listening to when you made these works.

 

Umetsu This time I was listening to early stuff, mid-period stuff, a lot of the latest stuff as well.

 

Arimura Is there anything where you were listening to Zetsubo no Oka (Hill of Despair) [laughs] ?

 

Umetsu Yeah, and Rocket, I listened to that a lot [laughs].

 

Arimura I’d love to introduce you to the other band members.

 

Umetsu Really? That would be awesome. I also listened to Owl a lot while I was shaping clay. I listen to everything, though.

 

Arimura Wow, this is amazing. To think that someone heard my music and produced work like this, it gives me the shakes, in a good way… This has been an incredible experience. I’m speechless.

 

Umetsu Thank you very much.

 

Arimura I feel like there’s a lot more to say, but maybe we can continue the conversation over drinks. You like drinking?

 

Umetsu Love it!

 

Arimura Same here.

 

Umetsu Let’s go, for sure.

 

Arimura Sounds like a plan! I’m the old-fashioned, analog type, the kind that communicates in person while drinking.

 

Umetsu Never skip a day, myself.

 

Arimura Is that a fact? I’m pretty close to that myself. Not that I’m such a strong drinker or anything.

 

Umetsu Right, right. But drinking kind of gets you through life [laughs]. Anyway, I can’t tell you how grateful I am for this today.

 

Arimura The pleasure was all mine, really. I was nervous and I’m not sure I managed to speak properly…

 

Umetsu I think I was even more nervous [laughs]. I appreciate it so much. Thank you so much for being here!

Photo: MOROCOSHI

Photo: MOROCOSHI


協力:株式会社ARINOSu


Special thanks to ARINOSu inc.

Translation: Christopher Stephens

Exhibition

窯業と芸術

Ceramics and Art

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梅津庸一個展「器に就て」gallery KOHARA、信楽町、滋賀、2022年7月16日—8月8日

Yoichi Umetsu “Regarding Vessels”, gallery KOHARA, Shigaraki, Shiga, Jul. 16 - Aug. 8, 2022.

梅津庸一個展「器に就て」gallery KOHARA、信楽町、滋賀、2022年7月16日—8月8日

Yoichi Umetsu “Regarding Vessels”, gallery KOHARA, Shigaraki, Shiga, Jul. 16 - Aug. 8, 2022.

梅津庸一個展「器に就て」gallery KOHARA、信楽町、滋賀、2022年7月16日—8月8日

Yoichi Umetsu “Regarding Vessels”, gallery KOHARA, Shigaraki, Shiga, Jul. 16 - Aug. 8, 2022.

梅津庸一企画展「オリエンタリズムと想像力」陶園、信楽町、滋賀、2022年7月16日—8月8日 作家:伊藤昭人、ジェイムス・グリーグ、バージニア・クリセヴィシュート、作者不詳の量産品、梅津庸一ほか

“Orientalism and Imagination”(curated by Yoichi Umetsu), TOEN, Shigaraki, Shiga, Jul. 16 - Aug. 8, 2022. Participating artists: Akito Ito, James Greig, Virginia Kliseviciute, Yoichi Umetsu, mass produced pieces by unknown artists and others.

梅津庸一企画展「オリエンタリズムと想像力」陶園、信楽町、滋賀、2022年7月16日—8月8日 作家:伊藤昭人、ジェイムス・グリーグ、バージニア・クリセヴィシュート、作者不詳の量産品、梅津庸一ほか

“Orientalism and Imagination”(curated by Yoichi Umetsu), TOEN, Shigaraki, Shiga, Jul. 16 - Aug. 8, 2022. Participating artists: Akito Ito, James Greig, Virginia Kliseviciute, Yoichi Umetsu, mass produced pieces by unknown artists and others.

梅津庸一企画展「オリエンタリズムと想像力」陶園、信楽町、滋賀、2022年7月16日—8月8日 作家:伊藤昭人、ジェイムス・グリーグ、バージニア・クリセヴィシュート、作者不詳の量産品、梅津庸一ほか

“Orientalism and Imagination”(curated by Yoichi Umetsu), TOEN, Shigaraki, Shiga, Jul. 16 - Aug. 8, 2022. Participating artists: Akito Ito, James Greig, Virginia Kliseviciute, Yoichi Umetsu, mass produced pieces by unknown artists and others.

梅津庸一個展「濡れた粘土が乾くまで」、丸倍の自習室、丸倍製陶、信楽町、滋賀、2022年7月16日—8月8日

Yoichi Umetsu “Until the Wet Clay Dries”, Marumasu Study Room, Marumasu Seito, Shigaraki, Shiga, Jul. 16 - Aug. 8, 2022.

梅津庸一個展「濡れた粘土が乾くまで」、丸倍の自習室、丸倍製陶、信楽町、滋賀、2022年7月16日—8月8日

Yoichi Umetsu “Until the Wet Clay Dries”, Marumasu Study Room, Marumasu Seito, Shigaraki, Shiga, Jul. 16 - Aug. 8, 2022.

梅津庸一個展「濡れた粘土が乾くまで」、丸倍の自習室、丸倍製陶、信楽町、滋賀、2022年7月16日—8月8日

Yoichi Umetsu “Until the Wet Clay Dries”, Marumasu Study Room, Marumasu Seito, Shigaraki, Shiga, Jul. 16 - Aug. 8, 2022.

2022年の夏、窯業の町、信楽の3会場で「窯業と芸術」と題して開催された企画展は、梅津庸一が作陶の営みの中で問い直したものが結びついて生まれたものである。制作、企画、運営まで梅津が担っており「ひとり芸術祭」の様相を呈していた。昨今の芸術祭に対するリアクションとも受け取れるだろう。

コロナ禍や昨今の首都圏のアート界の閉塞感から疎開するように、梅津は信楽に拠点を持ち、作陶を始めた。美術家として、近代に作られた価値観、美術のフレームや美術教育などのインフラについて考察し実践してきた梅津にとって、美術史や美術における美学的な側面はあまり問われなくなり、アートマーケットの隆盛と政治的信条にもとづいた意思表示が求められるものばかりが前景化するようになった昨今のアート界で「美術とはなにか」と問い続けることが難しく感じられるようになったという。

信楽にアパートを借り、さらに丸倍製陶の一角を間借りし、窯業を下支えする窯や粘土や釉薬などを製造するメーカーなどの窯業関係者と密に交流し、素材について相談に乗ってもらいながら、梅津は半年の間に500点近い陶作品を制作した。こうして、ものをつくることに携わる様々な人々の営みを側で直接的に感じながら個人で制作することが、「つくる」ことに難しさを覚えていた梅津に、絵画制作とは異なる側面からの進展をもたらしたという。

絵画制作において、画材屋に売られている絵具やキャンバスなどの工場で作られた製品は当たり前のものとして認識していたが、信楽で材料の作り手やその運搬まで見聞きすることで、材料とその性質、その背景まで細かく知り、そうした環境下で形や触覚で思考しながら陶芸に触れたことで、長らく使っていなかった想像力の回路が復旧したように思う、とステートメントにおいて梅津は述べている。

第一会場である「gallery KOHARA」は、陶器店の2階にあるギャラリーで地方の百貨店の美術画廊を思わせる空間だ。梅津の信楽で制作した近作による個展「器に就て」が開催された。大量生産された100円ショップのプラスティックのトレイに粘土を詰めて逆さまにし、それを台座として使用し、その上にオブジェを成型した作品《レンコン状の月》やピーター・ヴォーコスによる穴の空いた器《アイス・バケット》をひっくり返してみせた《アイスドーム》などを展示した。陶芸における「実用性」を考えさせられる展覧会だ。第二会場の「陶園」は信楽でもっとも歴史の古いギャラリーだ。走泥社の八木一夫などの陶芸家たちが出入りしている頃は、作家たちと地元の窯業の関係者が交流したり、地元住民が朝食やお茶を飲みに集まるハブの役割を担った場所だった。ここで開催された梅津庸一企画展「オリエンタリズムと想像力」には、河井寛次郎の孫弟子である伊藤昭人、日本の民藝運動に強く影響を受けたニュージーランドの陶芸家ジェイムス・グリーグ、イタリアと日本に残っている人体塑像の技術を使った人物の彫刻と陶芸を合わせる作品を制作するバージニア・クリセヴィシュート、そして梅津が蒐集した作者不詳の陶器の量産品、梅津のドローイングなどが展示された。民芸の様式の中で脈々と受け継がれているオリエンタリズムは第一次世界大戦までの帝国主義や植民地化と切り離せない一面を持っている。それがもたらした歪みと豊かさについて、陶芸を起点に梅津が柳宗悦のような恣意的な選別を経由しつつ俯瞰を試みる展覧会だったといえるだろう。梅津にとってキュレーションとは一体なんなのかと立ち止まって考える機会でもあったという。そして第三会場の「丸倍の自習室」は、丸倍製陶を間借りした梅津の工房である。ここで開催される梅津庸一個展「濡れた粘土が乾くまで」は、アトリエ内の焼き締める前の作品が並べられており、陶作品の制作工程そして「やきもの」を支えて来た製陶業のインフラ自体を体感できると機会となった。

「窯業と芸術」は梅津がこれまでやってきたことと新しく出会ったものが結合して生まれた。陶芸を通して「人がものをつくるとはなにか」という根本的な問いと出会い直した梅津の考察は、今後もこの地で続けられるだろう。

The exhibition Ceramics and Art, which took place in summer 2022 across three venues in the historic ceramics-producing community of Shigaraki, emerged in connection with various questions that the artist Yoichi Umetsu had been re-examining in the course of his own ceramic art activities. Umetsu produced works for, and was in charge of organizing and administering, this exhibition, which took on the feel of a “one-person art festival.” It can be seen as a reaction to the art festivals that have proliferated in Japan in recent years.

As if evacuating in response to both the pandemic and the recent stagnation of the art scene in the Tokyo metropolitan area, Umetsu relocated to Shigaraki and began producing ceramics. Umetsu’s practice as an artist has focused on value systems constructed in the modern era, artistic frameworks, art education, and other forms of social infrastructure, and his sense is that people are no longer particularly concerned with art history or the aesthetic aspects of art. He says that in the current art world, with a flourishing art market and the foregrounding, at the expense of all else, of demands that people make statements based on political beliefs, it has become difficult to continue exploring the question “What is art?”

In addition to renting an apartment in Shigaraki, Umetsu rented a space at the pottery studio Marumasu Ceramics, where he worked closely with manufacturers of the kilns, clay, and glazes that support the ceramic industry and consulted with them on materials. In this way Umetsu, who had always been keenly aware of the difficulty of “making,” was able to progress in a different direction from that of painting, by working individually while directly observing the activities of various people involved in fabrication processes.

Painters clearly recognize the paint, canvases and so forth sold at art supply stores as readymade products, but in Shigaraki he was able to see and communicate with the people who produce materials and watch these materials being shipped out in person. In a statement, Umetsu noted that learning about materials, their properties, and their backgrounds in detail, and being exposed to ceramics in such an environment while thinking in formal and tactile terms, seemed to restore circuits in his imagination that had long lain dormant.

The first venue, gallery KOHARA, located on the second floor above a pottery shop, is reminiscent of an art gallery in a provincial department store. It featured Regarding Vessels, a solo show of recent works that Umetsu created in Shigaraki. These works included Renkon-Shaped Moon, consisting of hand-modeled objects on a pedestal made by covering a mass-produced plastic tray from a 100-yen shop with clay and turning it upside down, and Ice Dome, an inversion of Ice Bucket, a vessel with a hole in it by the ceramic artist Peter Voulkos. The exhibition provoked thought about the “practical utility” of ceramics. Toen, the second venue, is the oldest gallery in Shigaraki, and in the years when it was frequented by ceramic artists such as Kazuo Yagi of the avant-garde ceramics group Sodeisha, it served as a hub where artists and local ceramics workers would meet and where local residents would gather for breakfast and tea. Presented here was the exhibition Orientalism and Imagination, organized by Umetsu, which included works by Akito Ito, a pupil-of-a-pupil of Kanjiro Kawai; James Greig, a New Zealand ceramic artist strongly influenced by the Japanese Mingei (folk art) movement; Virginia Kliseviciute, who combines sculptures of the human figure, made with traditional modeling techniques still in use in Italy and Japan, with ceramics; and a number of mass-produced pieces with unidentified makers that Umetsu has collected, as well as Umetsu’s own drawings. Orientalism, which has been stylistically preserved in the forms characteristic of Mingei, is inseparable from the history of imperialism and colonization up until World War I. The exhibition represented an endeavor by Umetsu to examine both the social distortions and the wealth brought about by these factors using ceramics as a frame of reference, and to present a comprehensive picture of these issues through the selection of humble, anonymously crafted objects like that practiced by Mingei founder Soetsu Yanagi. It was also an opportunity for Umetsu to pause and consider the nature of curation. The third venue, Marumasu Study Room, is Umetsu’s studio rented on the premises of Marumasu Ceramics. Umetsu’s solo show Until the Wet Clay Dries was held here, presenting works in his studio that had not yet been fired, and offering opportunities to experience the ceramics production process and the infrastructure that has underpinned the pottery industry over the years.

Ceramics and Art emerged from a synthesis of Umetsu’s practice thus far and new encounters. Through ceramics, Umetsu has re-engaged with the fundamental question: “What does it mean for a person to make things?”

Conversation

Yoichi Umetsu × Mai Komuro

対談vol.1: 小室舞(建築家 KOMPAS主宰) × 梅津庸一「器としての展示空間」

Coversation Series Vol. 1: Mai Komuro (Architect, Head of Architectural Design Studio KOMPAS) x Yoichi Umetsu: “Gallery Spaces as Vessels”

Conversation

Yoichi Umetsu × Hisao Hanai

対談vol.2: 花井久穂(東京国立近代美術館学芸員)× 梅津庸一「窯業と芸術、それから民藝の話」

Coversation Series Vol. 2: Hisaho Hanai (Curator, The National Museum of Modern Art, Tokyo) x Yoichi Umetsu: “Ceramics and Art, and then Mingei”

Conversation

Yoichi Umetsu × Andrew Maerkle

対談vol.3: アンドリュー・マークル(アートライター)× 梅津庸一「個と集について」

Coversation Series Vol. 3: Andrew Maerkle (Art Writer) x Yoichi Umetsu: “The Individual and The Collective”

About

梅津庸一は、「美術とはなにか」、「人がものをつくるとはなにか」という根本的な問いについて、様々な角度から思考、実践してきました。日本における美術の受容史を自らの身を以て体現した代表的な自画像シリーズや、パフォーマンスを記録した映像作品で知られてきましたが、自身が主宰するアートコレクティブ「パープルーム」や、非営利のギャラリーの運営、展覧会のキュレーション、テキストの執筆、そして、一昨年より新たに加わった陶作品の制作など、その活動領域は、近年より一層の多面性を見せています。2021年にワタリウム美術館にて開催された個展「ポリネーター」では、これまであまり知られていなかった梅津の活動の全貌が明らかになりました。なかでも、140点もの陶作品により構成された「黄昏の街」は、SF的な想像力と、粘菌の増殖に見られるような秩序とが同居したメルクマール的作品と言えるでしょう。2021年、梅津は、六古窯のひとつである信楽の製陶所を間借りして作陶を始めます。明治時代から日本を下支えしてきた産業のひとつである「窯業」を起点に、現代アートにおける「ものづくり」について考察を深めています。今年7月には、信楽の複数会場にて「一人芸術祭」の様相を呈した「窯業と芸術」展を企画・開催し、作家による「やきもの」だけではなく、それを下支えするインフラにもスポットを当てました。また、梅津は現代アートで近年注目の高まる陶芸を単なる「オーガニックなもの」や「手仕事への回帰」としては捉えておらず、陶芸における柳宗悦や河井寛次郎らによる民藝運動と、それに付随する「オリエンタリズムの功罪」を積極的に見出すことで、一連の作品を編み上げているのです。梅津のドローイング作品は、ひとつの表現様式に一元化しない複雑さを有しています。ポエジーと物理法則、私小説的な感受性、フォーマリズム絵画の原理が互いに作用しながら編まれる作品は、1点1点が独立した作品でありながらも、それぞれが有機的な結びつきをみせています。2022年にタカ・イシイギャラリーにて開催された個展「緑色の太陽とレンコン状の月」においては、陶芸とドローイング、窯業と芸術、モダニズムと図画工作の間を行き来しながら練り上げられた、およそ100点に及ぶ作品群を展示しました。決してひとつの結論に回収されることのない梅津の複合的なアプローチは、その作品や活動の全体を介して私たちに「美術とはなにか」という疑問を投げかけているようです。

Yoichi Umetsu has contemplated and put into practice from different angles the fundamental questions of “what is art?” and “what does it mean for people to create?” Umetsu is known for his representative self-portrait series in which he uses his own body to convey the history of art reception in Japan, as well as video works documenting his performances. The scope of his practice however, has become increasingly multifaceted in recent years, from establishing the art collective “Parplume” to operating a non-profit gallery and curating exhibitions, writing texts, and engaging in the production of ceramic works that have been newly introduced to his practice since two years ago. The solo exhibition “Pollinator” held at The Watari Museum of Contemporary Art in 2021 served to shed light on the entirety of his practice, which until then had been little known. Among his oeuvre, “The City at Dusk,” consisting of 140 ceramic works, could indeed be described as a characteristic piece in which sci-fi-like imagination coexists with a sense of order that might be observed in the proliferation of eukaryotic organisms. In 2021, Umetsu began producing ceramic works by renting a space in a pottery studio in Shigaraki, which is recognized as one of the Six Ancient Kilns in Japan. Ever since he has attempted to deepen his inquiry into the concept of “craftsmanship” in contemporary art, taking “ceramics”–an industry that has long supported Japan since the Meiji era–as a starting point. In July this year he organized the “Ceramics and Art” exhibition that took place across multiple venues in the Shigaraki area in the form of an independent art festival, where he highlighted not only pottery and ceramic works produced by artists, but also the infrastructure that underpins them. While ceramics has  been attracting attention in contemporary art in recent years, Umetsu does not consider his work to be merely venturing into the “organic” or indicating an inclination to “return to handwork.” Rather, it is grounded upon his active reference of the Mingei (folk art) movement as advocated by figures such as Yanagi Soetsu and Kawai Kanjiro, and the “merits and demerits of Orientalism” that accompany it. Umetsu’s drawing works harbor a complexity that cannot be consolidated into a single style of expression. Reflecting interplays between poetry and the laws of physics, I-novel-esque sensibilities, and principles of formalist painting, they exist as independent works and at the same time are organically connected to one another. His solo exhibition “Green Sun and Renkon-Shaped Moon,” held at Taka Ishii Gallery in 2022 includes a selection of approximately 100 works that have been created through shifting back and forth between the realms of ceramics and drawing, pottery and art, modernism and arts & crafts. Through his works and practice as a whole, Umetsu’s composite approach, which is never collated into a single conclusion or discourse, encourages us to contemplate the nature and definition of art.

Information

MAMコレクション016:自然を瞑想する―久門剛史、ポー・ポー、梅津庸一

[会期] 2022年12月1日[木]— 2023年3月26日[日]
[会場] 森美術館
[URL] https://www.mori.art.museum/jp/exhibitions/mamcollection016/index.html

 

 

森美術館開館20周年記念展
ワールド・クラスルーム:現代アートの国語・算数・理科・社会

[会期] 2023年4月19日[水]—  9月24日[日]
[会場] 森美術館
[URL] https://www.mori.art.museum/jp/exhibitions/classroom/index.html

“MAM Collection 016: Meditating on Nature – Hisakado Tsuyoshi, Po Po, and Umetsu Yoichi”

[Date] December 1, 2022 (Thu) — March 26, 2023(Sun)
[Venue]Mori Art Museum
[URL] https://www.mori.art.museum/jp/exhibitions/mamcollection016/index.html

 

 

“Mori Art Museum 20th Anniversary Exhibition WORLD CLASSROOM: Contemporary Art through School Subjects”

[Date] April 19, 2023 (Wed)September 24 (Sun)

[Venue]Mori Art Museum
[URL] https://www.mori.art.museum/en/exhibitions/classroom/index.html

Biography

 

 

梅津庸一
1982年山形県生まれ。
現在相模原を拠点に活動。

東京造形大学絵画科卒業。絵画作品、ドローイング作品、自身を題材とした映像作品、セラミック作品、陶板作品と多様なメディアを介して制作を行うほか、自身が主宰する「パープルーム予備校」(2014年〜)および「パープルームギャラリー」の運営、美術手帖 特集「絵画の見かた」(2020年12月号)の監修、テキストの執筆など活動領域は多岐にわたる。主な個展に「未遂の花粉」愛知県美術館(愛知、2017年)、「ポリネーター」ワタリウム美術館(東京、2021年)、「緑色の太陽とレンコン状の月」タカ・イシイギャラリー(東京、2022年)。 作品集に『ラムからマトン』(アートダイバー、2015年)。

 

 

Yoichi Umetsu
Born in 1982 in Yamagata Prefecture.
Currently lives and works in Sagamihara.

Umetsu graduated from the Department of Fine Art at Tokyo Zokei University. In addition to producing work in various mediums such as painting, drawing, videos featuring himself as the subject, ceramics and ceramic tiles, his practice encompasses a wide range of activities that include curating and running “Parplume Cram School” (2014~) and “Parplume Gallery,” and experience working as an editor and a writer for Bijutsu Techo magazine’s special issue “Approaches to Painting” (December, 2020). His major solo exhibitions include “APMoA Project, ARCH vol. 20 Umetsu Yoichi,” Aichi Prefectural Museum of Art (Aichi, 2017), “Yoichi Umetsu: Pollinator,” Watari-um, The Watari Museum of Contempor ary Art (Tokyo, 2021) and “Green Sun and Renkon-Shaped Moon,” Taka Ishii Gallery (Tokyo, 2022). Notable publications include, From Lamb to Mutton (ART DIVER, 2015).

©︎ ARINOSu

©︎ ARINOSu

 

 

有村竜太朗

Plastic Tree の Vo & Gt。 Plastic Tree として 1997年6月、「割れた窓」でメジャーデビュー。 有村が創りだす独特な世界観が人気を集め、多くのファンを魅了している。 2006 年7月にはワールドツアーも敢行し、日本外にもファンが多く存在する。 2007年9月、メジャーデビュー10 周年の節目に行われた日本武道館公演を大成功に収め、 その後も武道館公演を継続して行う。 バンド(Plastic Tree)では収まりきらない世界観を現実にしていくため、2016年個人活動を開始。 2020年2月にはキリスト品川教会、2021年には12月にはCOTTON CLUBでの公演を開催。さらに音楽活動だけではなく、2020年12月にはオリジナルファッションブランド「the closet」を設立、2021年には有村が被写体となった寫眞展も開催するなど、クリエイティブな活動も行っている。 個人活動での作品、ステージにおいては、彼がリスペクトするミュージシャンやスタッフと数多く共演。 共演者は te’の hiro氏、THE NOVEMBERS の小林祐介氏、People In The Box の波多野裕文氏、Nothing’s Carved In Stone/ELLEGARDEN の生形真一氏。サウンドプロデューサーとして、凛として時雨やクリープハイプ、米津玄師のエンジニアを行っている采原史明氏と COALTAR OF THE DEEPERSのNARASAKI氏等。

 

 

Ryutaro Arimura

Vocalist and guitarist with the band Plastic Tree. Formed in June 1997, Plastic Tree made their major debut with the single “Wareta mado” (Broken Window). Arimura’s unique worldview made the band popularity and attracted many fans. After Plastic Tree undertook a world tour in July 2006, they also garnered countless fans outside of Japan. In September 2007, the band’s concert at the Nippon Budokan, held to mark commemorate the tenth anniversary of Plastic Tree’s major debut, proved to be a great success, leading them to return to the venue for future performances. To pursue a worldview that he could not realize in Plastic Tree, Arimura began working as a solo artist in 2016. He performed at the Christ Shinagawa Church in February 2020, and at the Cotton Club in December 2021. In addition to his work as a musician, he is involved with many other creative activities, including establishing his own fashion brand, the closet, in December 2020, and holding a photography exhibition that focused on himself in 2021. In his works and performances as a solo artist, Arimura has collaborated extensively with musicians and other figures for whom he has a deep respect. Among these are hiro of the band te’, Kobayashi Yusuke of the Novembers, Hatano Hirofumi of People In The Box, and Ubukata Shinichi of Nothing’s Carved in Stone and Ellegarden. As a sound producer, Arimura has worked with Unehara Fumiaki, who has served as sound engineer for Ling tosite sigure, CreepHyp, and Yonezu Kenshi, and Narasaki of Coaltar of the Deepers.

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