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Feb 06, 2021
Feb 06, 2021
Photo: Kenji Takahashi
Photo: Kenji Takahashi
Photo: Kenji Takahashi
Photo: Kenji Takahashi
国も時代もジャンルもこだわりません。
直観を大切にモノを見るようにしています。
以前から質問される度にそう嘯いてきた僕ですが、実は密かに苦手なジャンルがある。それは所謂、日本の伝統工藝とされる品々。苦手意識は潜在意識の奥深くに忍びこみ、避けているつもりはないのですが、チラ見するだけで、きちんと向き合ったことはなかったのかもしれない。なぜ伝統工藝が苦手なのか、まず最初に誤解なきようこれだけは述べておきます。僕は職人をとても尊敬しています。同時に職人が職人としての仕事だけでは生活が成り立たず、作家として作品を作らなければならない現状は、日本の文化的な衰退であると憂いてもいます。本来、職人の世界は分業制であったと聞きますが、たとえば漆工藝でいえば、今は木地師、塗師を一人でこなす若い作家が増えていて、職人としての木地師、塗師は、仕事量、またコストの問題も含めてなかなか難しく、時を経て受け継がれてきた超絶技巧とも思える職人のテクニックが失われていくのは残念でならない。かたや、これはあくまで私見にしか過ぎませんが、伝統工芸をベースにした作家の作品は、技術があるからこそ、出来てしまうからこそ、あらゆる技を足し算でやり尽くした結果、形へのセンスや必然性がないままに、職人的作家の自己満足が先にたつ作品が多いように思います。これではリアルなニーズが減少してゆく現状も宜なるかなという悪循環。これらの理由から僕は、伝統工藝の作品を見ても、今までは、スゴいとは感じても、心打たれるほど美しいとはあまり感じたことがありませんでした。今までは、つまり竹の斎藤さんの竹工藝コレクションを拝見させていただくまでは。
あらためて考えてみれば、竹は日本人である我々の身の回りに溢れている。籠、笊、和傘、扇子、竹とんぼ、水鉄砲、茶杓に茶筅、普段から無意識に使っているあまりにも多くの品々が実は竹により作られている。正倉院には奈良時代の華籠が伝わっているし、初期の電球のフィラメントは京都の竹によって作られたとも聞く。さらには筍として旬の味覚すら我々は楽しんでいる。それなのに僕は恥ずかしながら、竹工藝の品々についてほとんど何も知らなかった。いったい日本人のどれくらいの人が竹工藝について、きちんと認識しているのだろう。日本から学ばないのは日本人だとは誰の言葉であったのか。斎藤さんによれば、現代に作られる花籠などの竹工藝作品の8割は欧米にいるコレクターによって買われていくそうだ。古くはシーボルトが持ち帰った作品が今も彼の地に残っている。中国からもたらされた唐物と呼ばれた籠を写し、江戸後期、明治と栄えた竹工藝の文化を買い支え現代に繋げていたのが、日本人ではなく、欧米人であったとは、なんと有り難くも情けないことか。我々には身近な竹という素材は、彼らにとっては珍しく、また道具としての成り立ちに囚われないその目は、竹籠のその姿をあるがままに掴み取っていたのだろう。職人なのか、作家なのか、道具なのか、作品なのか、などという枠組みすら超えて、物そのものから本質を理解していたのだろう。唐物の写しでは終わらずに独自の発展を遂げられたのも、欧米のコレクターの感覚を意識して、世界に目を向け学んできた竹工藝作家がいたからに違いない。百聞は一見にしかず。斎藤さんのコレクションはそのことを確かに証明していた。
Text by Ryota Aoyagi [contemporary artist]
I enjoy everything, no matter the country, period, or genre. I value intuition in my encounters with art—I have often boasted this claim when questioned on my preferences. But there is, in fact, one genre that I have secretly resisted: Japanese traditional crafts. My awareness of my distaste for Japanese crafts seeps into my subconscious, so that I glance at it quickly and move on, without consciously intending to avoid it. As to why I resist traditional crafts, let me first state forthright—I deeply respect craftsmen. There should be no misunderstanding on this point. I also worry that current conditions preventing craftsmen from making a living as craftsmen, so that they must create as “artists,” mean the decline of Japanese culture. Craftsmen originally worked on the basis of division of labor, I hear, but today, such specialization is disappearing. If we look at lacquer craft, for example, young makers are increasingly undertaking both the lathework and lacquering single-handed. In terms of workloads and costs involved, shouldering both the lathework and lacquering is difficult. The subsequent loss of exquisite craftsman techniques, carefully passed down over time, is unfortunate beyond words.
Craft-based artists, on the other hand—and this is only my personal opinion—let their technique run away with them. Because they have skills and can use them, they compound techniques, trying to do them all, so that self-gratification takes priority and the work suffers in form and lacks integrity. As a result, real needs for crafts decline and a vicious circle is created. Such is the situation today. For these reasons, even if amazing to see, traditional craftworks have not often moved me with their beauty. Until encountering the bamboo art collection of SAITO Masamitsu, that is.
If I think about it, bamboo abounds around me in my life as a Japanese. From baskets and colanders to Japanese umbrellas, folding fans, dragonfly copters, squirt guns, teaspoons, and tea whisks, many items I use everyday without much thought are made of bamboo. A flower basket woven in the Nara period (710-794) is preserved in the Shosoin Repository, and I hear that bamboo from Kyoto was used to make filaments for the first lightbulbs. We eat bamboo shoots as a seasonal delicacy. Despite this, I am ashamed to say, I have almost no knowledge about bamboo crafts. How many Japanese actually do? “It’s only the Japanese who learn nothing from Japan,” someone once said. According to Saito, eighty percent of flower baskets and other bamboo crafts made in Japan are purchased by Western collectors. The items that Philipp Franz von Siebold (1796-1866) carried home, long ago, still now remain in his land. Japan’s bamboo crafts, after their origin by importing and copying baskets from China, flourished in the 19th century and survived in modern times due to the patronship of Westerners, not Japanese, a fact somehow both thankful and also pathetic. Bamboo, a material we in Japan take for granted, was something rare for them. When viewing bamboo baskets, moreover, they were captivated by the baskets themselves without being bound by preconceived notions. Stepping beyond frames of reference such as craftsman, artist, tool, and artwork, they grasped the object’s essence from the object itself. That bamboo works attained new creative heights surpassing their origins as copies of Chinese baskets was surely because bamboo craftsmen trained with an eye on the world, conscious of Western collectors. Seeing is believing: Saito’s collection provides solid testimony to this fact.
様々な話を聞かせてもらい、数々の竹工藝作品を見させてもらいながら、僕は漆工藝の作家である鈴木睦美の作品を思い出していた。それは木地を撓ませて、その撓みのままにうるしで固めて作られた漆器なのだが、木地が元の形に戻ろうとする力と漆の固まる力がそのまま形になっている。同じことを竹工藝作品にも感じた。つまり、竹を曲げようとする人間の力と、元の形に戻ろうとする竹本来の自然の力のせめぎ合い、その力同士の緊張感が、竹工藝作品を単なる人工物として終わらせず、造形としてのダイナミズムを生み出すことに繋がっている。素材としての性質が、結果としての形にダイレクトに現れる面白さ。用途だけが目的であったのならば、これほどまでに複雑な形を編み出すことはなかっただろう。そこにかつての竹工藝作家の、道具を道具として終わらせず、美術の領域まで昇華しようとした努力と情熱を感じずにはいられない。例え、ほとんどの日本人がそのことを知らなかったとしても、彼らは確かに作り続けていたのだ。簡素にして、しかしよく見ると複雑でモダンな美しい竹工藝の作品を。
斎藤さんが教えてくださった話を最後にもう一つ紹介したい。飯塚琅玕斎には、民具としての籠をほとんど同じ形で写した作品がある。これは非常に危うくも野心的でコンセプチュアルな試みだった。なぜなら民具としての籠と、飯塚琅玕斎の作品では経済的な価値が数万倍も違うのだから。しかし籠は籠である。よほどの自信がない限り、それは出来ることではない。と同時に、飯塚琅玕斎には、民具としての当たり前の籠の美への敬意があったのではないだろうか。だからこそそれを写したのではないだろうか。もしかしたら、自分の作品が高値で取り引きされることへの皮肉とユーモアも含まれていたのかもしれない。明治に生まれた飯塚琅玕斎という人が、まさに現代アート的な遊びをしていたことに僕は驚いた。竹工藝を知らなかったのは紛れもなく僕自身だったのだ。
国も時代もジャンルもこだわりません。
竹の斎藤さんのコレクションの中に一つどうしても欲しい作品を、僕は見つけてしまいました。
While listening to all that Saito had to say and viewing his bamboo art pieces, I recalled a work by lacquer craftsman Mutsumi Suzuki, in which he had bent his wood core and held it in that state while the lacquer hardened on it. The form thus produced is a direct result of the force of the wood core to return to its original form and the resisting force of the hardened lacquer. I felt the same forces at work in the bamboo pieces, that is, the tension between the human force of bending the bamboo and the force of the bamboo to return to its original form. Because of that tension, a form having dynamism is created instead of a lifeless artificial object. The work exudes charm because the character of the bamboo is directly apparent in its form. If utility were the maker’s sole aim, he would not have woven such a complex form. We can only feel admiration for the bamboo craftsman’s passion, in bygone times, to elevate the tool to the level of art. The craftsman was devoted—he would have persisted in creating bamboo craftworks blending simplicity and complex modern beauty even if people in Japan were unaware of his endeavor.
I will finish with a story that Saito related to me. Rokansai Iizuka has a work that almost exactly copies the shape of a folk basket, an everyday work tool. The market value of a Rokansai work being tens of thousands of times that of a folk basket, it was an extremely ambitious and risky conceptual work, needless to say. A basket, even by Rokansai, is a basket. Without a great deal of confidence, such a work could not have been attempted. Rokansai doubtless felt deep respect for the beauty of the folk basket, this being the probable reason he copied it. He may have also intended the piece as a humorous dig at the high prices his work commanded. I was freshly surprised that Rokansai, born in the late 19th century, would engage in conceptual expression so contemporary in spirit. The one who knew nothing about bamboo crafts, after all, was me.
I enjoy everything, no matter the country, period, or genre.
In Saito’s collection, I came across one bamboo piece I wanted so badly.
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Artwork Commentaries: Masamitsu Saito
Photo: Kenji Takahashi (#1–#9)
斎藤正光
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竹工芸蒐集家・研究者。江戸時代から現代までの竹工芸作品のコレクションはもとより、国内外の美術館での展覧会の監修・プロモーションを積極的に行う。「飯塚琅玕斎展」(栃木県立美術館、1989年)、「竹の造形 ロイド・コッツェン・コレクション展」(日本橋三越、大分市美術館など国内6箇所で開催、2003-2004年)「New Bamboo: Contemporary Japanese Masters」展(ジャパンソサエティー、ニューヨーク、2008年)、「線の造形 線の空間 飯塚琅玕齋と田辺竹雲斎でめぐる竹工芸」(菊池寛実記念 智美術館、東京、2018年)、「空(くう)を割く 日本の竹工芸」(ケ・ブランリ美術館、パリ、2018-2019年)に協力したほか、NHK「美の壺」の「竹籠」編や多数の出版物の企画にも携わる。メトロポリタン美術館、ボストン美術館、ミネアポリス美術館には氏の旧蔵品が複数収蔵されている。内外の美術館やコレクターに日本の優れた竹工芸を紹介するなど、竹文化の普及に尽力している。
Masamitsu Saito
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Masamitsu Saito collects and researches bamboo art. Besides maintaining a collection of bamboo works dating from the Edo period (1603-68) to the contemporary era, he actively engages in supervising and promoting art exhibitions in Japan and abroad. Exhibitions staged with his cooperation include “Iizuka Rokansai – Master of Modern Bamboo Crafts” (Tochigi Prefectural Museum of Fine Arts, 1989), “Bamboo Masterworks : Japanese Baskets from the Lloyd Cotsen Collection” (Nihombashi Mitsukoshi Main Store, Oita Art Museum, and travelling to 4 other museums in Japan, 2003-4), “New Bamboo: Contemporary Japanese Masters” (Japan Society, New York, 2008), “Lines and Shapes, Lines and Spaces: The Bamboo Work of Iizuka Rokansai and Tanabe Chikuunsai” (Musee Tomo, Tokyo, 2018), and “FENDRE L’AIR Art du bambou au Japon” (Musée du quai Branly, Paris, France, 2018-19). He has assisted with the planning of the bamboo art episode of the NHK TV series “Bi no tsubo (The Mark of Beauty)” and numerous publications. His collected works are found in public collections including the Metropolitan Museum of Art, Museum of Fine Arts, Boston, and Minneapolis Institute of Arts.
Saito introduces exquisite bamboo pieces in order to promote the appreciation of bamboo culture in Japan and abroad.